On a rencontré le groupe de metal progressif finlandais WHEEL à l’occasion de son prochain album « Resident Evil » le 26 mars.

Maximilien – Error404.fr : Hei James ! J’espère que tu vas bien ! Peux-tu te présenter pour commencer ?

J : Salut, je suis James Lascelles, le chanteur/guitariste de Wheel. Salutations depuis la toundra arctique de l’Europe du Nord – c’est un plaisir de parler avec toi !

M : Vous sortez « Resident Human » le 26 mars. Peux-tu nous en dire un peu plus ?

J : J’ai commencé à assembler les principales parties instrumentales et structures de  » Dissipating « ,  » Movement « ,  » Ascend « ,  » Hyperion  » et  » Resident Human  » après notre deuxième série de dates de tournée européenne avec Soen fin 2019. Nous nous attendions à une autre année chargée de tournées en 2020, nous n’avions donc qu’une fenêtre limitée pour écrire de la nouvelle musique si nous voulions sortir quelque chose au cours de l’année suivante, ce qui nous a conduit à réserver des dates d’enregistrements au début du mois de mars 2020. Comme vous l’avez peut-être deviné, rien de tout cela ne s’est déroulé comme nous l’avions prévu… Nous avons fait notre première tournée européenne en février 2020 (qui a été une expérience incroyable) et à ce moment-là, nous nous attendions encore à faire notre première tournée américaine en première partie de Swallow the Sun et Infected Rain en avril/mai ; nous avons découvert pendant les concerts que nous ne pourrions pas faire les dates américaines en raison de complications de visa avec nos nouveaux membres et avons donc décidé de reporter notre temps de studio de quelques semaines, nous donnant jusqu’à la fin mars pour peaufiner la musique. Gardez à l’esprit qu’à ce stade, nous n’avions pas de paroles, d’idées vocales ou de thèmes pour la musique, tout était instrumental.
Nous avions des dates de première partie en Finlande prévues pour mars 2020 avec Apocalyptica et juste après la première de ces dates, le 12 mars, la Covid a frappé la Finlande et pendant les 24 heures suivantes, tous nos concerts ont été annulés ou reportés…
On a profité de ce temps supplémentaire inattendu pour tout refaire et tout repenser. Santeri Saksala, notre batteur, a contribué à quelques parties de batterie cruciales qui ont changé radicalement certaines des compositions (la partie du couplet dans « Ascend » en est un bon exemple) et lui et Aki Virta (notre bassiste) ont eu plus de temps pour préparer et ajuster leurs parties avant le début des sessions en studio. C’est également à cette époque que j’ai trouvé l’instrument de « Fugue ».

Nous avons enregistré la batterie et la basse pour l’album aux studios Finnvox à Helsinki fin mars/début avril, ce qui s’est avéré être le pic initial de l’épidémie finlandaise de la Covid. C’était surréaliste d’enregistrer notre album alors que la distanciation sociale était de mise et que rien n’était normal et que dans les médias, on avait l’impression que le monde s’effondrait autour de nous. Notre guitariste de l’époque n’a pas pu nous rejoindre en studio car la province dans laquelle nous vivons (Uusimaa) a été fermée pour tous les déplacements, sauf les plus essentiels. Au cours de ces sessions, nous avons expérimenté des choses que nous n’avions jamais faites auparavant, notamment une installation de basse à deux amplis. On a même essayé, à la suggestion de Santeri, de désactiver totalement le métronome pour « Hyperion ». Ce n’était pas prévu et franchement, c’était un peu terrifiant, mais le résultat était magnifique. Des choix comme celui-ci nous ont permis de trouver le style général de l’album – quelque chose qui mettrait en valeur une plus grande vulnérabilité et humanité que « Moving Backwards » et un son qui serait globalement plus proche de la façon dont le groupe sonne en concert. J’ai enregistré la plupart des guitares de l’album dans mon studio à Espoo (banlieue d’Helsinki), les ré-amplifiant ensuite aux Sonic Pump Studios avec le groupe. En raison des changements de line-up, j’ai fini par jouer toutes les guitares sur l’album, à l’exception du solo de « Hyperion » où notre ancien guitariste, Roni Seppänen, est revenu pour un featuring. J’ai enregistré les voix au cours de l’été 2020 et comme nous n’avions pas d’idées claires sur le sujet des chansons (à part « Movement » qui a été la première chanson que j’ai terminée pour le disque), il a fallu plusieurs mois d’expérimentation pour trouver des thèmes et des parties qui nous convenaient à tous. J’ai découvert « Hyperion Cantos » de Dan Simmons pendant cette période et certains des thèmes majeurs des livres, en particulier ceux qui traitent de concepts tels que la mortalité et l’indifférence de l’univers, m’ont vraiment parlé et ont eu un impact majeur sur les paroles. Dans l’ensemble, nous sommes incroyablement heureux de ce que l’album a donné – c’était exigeant et frustrant par moments, mais dans l’ensemble, c’était une expérience immensément gratifiante, surtout si l’on considère les obstacles que nous avons réussi à surmonter à la fois dans la production et en raison de la pandémie.

M : Merci pour tous ces nombreux détails James, c’est super intéressant. On voit que tu es vraiment passionné par ce que tu fais. Quelles sont vos inspirations ? Les riffs sont dingues.

J : Nous sommes inspirés par beaucoup de choses différentes et nous avons tous des domaines d’intérêts et de spécialisations différents, donc je ne peux parler que pour moi. Cette fois-ci, j’ai été inspiré par Massive Attack, Opeth, Alice in Chains, A Perfect Circle, Soundgarden, Nirvana, Radiohead, Katatonia, Tool, les premiers Foo Fighters, Karnivool, Rachmaninoff, Led Zeppelin et Rage Against the Machine – il y en a probablement beaucoup d’autres que j’ai déjà oubliés.
J’ai toujours pensé que le contexte est primordial si l’on veut qu’un riff ait un impact – si la musique heavy essaie de garder les choses sur un ’10’ tout au long d’une chanson, elle finit souvent par sonner comme un ‘6’ dans l’ensemble, donc la plupart du ‘poids’ perçu d’un riff se résume à la structure et à la dynamique. Nous avons vraiment essayé de vivre selon cette philosophie dans « Hyperion » par exemple, où il y a une pause avant le riff le plus lourd du morceau, ou dans « Resident Human » où les parties ambiantes au milieu du morceau préparent la section finale à revenir de façon dramatique.

M : Vous alternez entre des chansons très longues, autour de 10mns et d’autres plus courtes autour de 4mns… Avez-vous des façons différentes d’écrire une chanson qui induisent cela ?

J : Alors… Pas vraiment ! J’ai toujours pensé que « progressif » signifiait « libre de toute normes de genre », bien qu’il faille admettre que, comme les mots « alternatif » et « indie » avant lui, « progressif » est devenu un terme aussi chargé avec ses propres tropes stylistiques.Par-dessus tout, nous avons toujours été passionnés par la création d’une identité stylistique forte pour chaque morceau, plutôt que d’essayer de forcer arbitrairement une chanson dans une direction qui ne semble pas naturelle ; en conséquence, nous avons trouvé un plaisir égal à écrire des morceaux plus longs et plus courts. Je pense que la principale différence est qu’il y a beaucoup plus de musique autour de la longueur de 3-4:30, donc quand nous faisons des chansons plus courtes, nous voulons vraiment renverser les attentes et être un peu « punk » dans notre approche – il y a beaucoup de normes structurelles et stylistiques dans la musique rock et métal à défier et nous aimons les jouer pour voir si nous pouvons trouver quelque chose que personne n’a pensé avant, ou pour réinventer un vieux trope d’une manière intéressante.
Avec nos chansons plus longues, nous sommes toujours conscients de l’engagement plus important que nous demandons à l’auditeur et nous passons beaucoup de temps à peaufiner, éditer, ajuster et rationaliser le voyage pour justifier cela. Nous ne voulons jamais être obtus sur le plan stylistique ou complexes pour le plaisir de la complexité, et nous finissons généralement par couper plus que vous ne le pensez dans ces chansons – c’est censé être amusant avant tout et si nous demandons à quelqu’un de passer 10-12 minutes de son temps à écouter une chanson, nous voulons nous assurer qu’elle en vaut absolument la peine. Ce qu’il y a de mieux dans l’écriture de chansons plus longues, c’est que nous avons la possibilité de faire évoluer une idée au-delà de ce qui serait possible dans un morceau plus court – une opportunité de créer un voyage sonore d’une échelle beaucoup plus grande.

M : Sur votre premier album, Moving Backwards, vous avez aussi 7 chansons. Est-ce une coïncidence ?

J : C’est une question facile… Oui, c’est une coïncidence ! Nous avions initialement prévu de n’enregistrer que cinq titres pour le nouvel album mais j’ai écrit « Fugue » à la dernière minute avant de commencer à enregistrer et nous avons décidé d’ajouter « Old Earth » après quelques expérimentations en studio.

M : La chanson de fin « Old Earth » est assez atmosphérique et calme, seulement du piano et pas de voix, était-ce un défi pour vous de créer quelque chose de différent de toutes les autres chansons de votre discographie ?

J : Contrairement à beaucoup de nos chansons qui sont assez logiques dans leur assemblage, « Old Earth » a juste été ressenti comme la bonne façon de terminer l’album.Lorsque nous enregistrions la batterie et la basse au Finnvox, il y avait un piano à queue Yamaha dans la salle de concert sur lequel j’ai commencé à jouer pendant les pauses – après quelques sessions d’expérimentation, l’idée m’a semblé parfaite pour terminer l’album ; un hommage nostalgique à une innocence perdue et un retour à la terre depuis les étoiles.
La chanson a vraiment pris vie lorsque j’ai demandé à mon frère, Simon Lascelles, d’ajouter un peu de piano depuis son studio au Royaume-Uni (il joue tout le « second » piano du morceau). Le jeu de Simon a vraiment transformé l’ambiance générale et a vraiment ajouté au suspense et à l’harmonie créés dans la première moitié de la chanson en particulier. Conceptuellement, l’album est une déconstruction de ce qu’est l’être humain et nous avons décidé qu’une performance au piano était le parfait rappel de cela après le drame du morceau précédent..

M : Pourquoi l’album s’appelle « Resident Human » et a pour artwork un crâne entre deux têtes ? L’œil est toujours dans le crâne, mais vous avez une oreille complètement déconnectée de la tête, qu’est-ce que cela signifie ?

J : La pochette de l’album a été conçue et créée par ma femme, Annukka Lascelles, qui a déjà réalisé toutes nos illustrations – c’est une artiste incroyablement talentueuse. Vu le temps que nous passons normalement en tant que groupe à débattre démocratiquement des décisions artistiques, se mettre d’accord sur la couverture a été un choix facile et quand nous avons vu sa première ébauche, nous avons su que c’était la bonne solution pour nous.
Les paroles de l’album sont une déconstruction figurative de l’humanité, alors pour contraster avec cela, nous avons eu l’idée de faire de la pochette une déconstruction « littérale » d’un humain. Le style a été inspiré par de vieux manuels de médecine de l’ère victorienne (qui sont bien plus horribles que je ne le pensais quand on considère que beaucoup de dessins de style cartoon étaient probablement tirés de la vie réelle) et des insectes épinglés de style musée – cela a influencé la façon dont les différentes parties anatomiques sont représentées ; cliniquement et seulement pour le bénéfice de l’observateur.

M : Avez-vous déjà pensé à vos sessions live pour ce nouvel album, malgré la pandémie ? Nous nous attendions à vous voir en avril avec Apocalyptica et Epica à Paris… Savez-vous déjà si la tournée sera reportée et la nouvelle date ?

J : La tournée avec Apocalyptica et Epica a été reprogrammée pour 2022 et nous devrions passer par Paris le 14 mars 2022 et Toulouse le 15 mars 2022 !
Nous avons été assez absorbés par les répétitions et la commercialisation de l’album ces derniers temps, mais nous travaillons également sur des projets futurs, dont nous pourrons parler davantage plus tard dans l’année.
Pour l’instant, nous faisons des live streams hebdomadaires sur Instagram qui incluent des sessions de questions-réponses et des discussions avec d’autres groupes – tous ceux que nous avons faits jusqu’à présent sont enregistrés sur notre IG TV. Suivez-nous sur les médias sociaux si tout cela vous semble intéressant.
Comme nous le savons tous à ce stade, il est impossible de prédire quand Covid arrêtera d’empêcher les tournées, mais nous sommes vraiment impatients de prendre le nouveau matériel sur la route – soyez patients avec nous et nous promettons que cela vaudra la peine d’attendre.

M : Merci pour tes réponses James, nous allons terminer avec quelques questions orientées Error404 car nous ne parlons pas seulement de musique mais aussi de culture pop et des goûts des gens que nous rencontrons.
As-tu un groupe à recommander en ce moment ? Une belle découverte du moment ou votre groupe préféré ?

J : Ces derniers temps, j’ai beaucoup apprécié le remake de « The Raging Wrath of the Easter Bunny » par Mr Bungle et j’ai exploré le catalogue de Depeche Mode, dont je ne connaissais pratiquement rien auparavant – j’adore ce que j’ai entendu jusqu’à présent. À part cela, on ne peut jamais se tromper avec du Rachmaninoff…

M : Un film préféré ?

J : Nocturnal Animals !

M : Une série télévisée ?

J : « Bosch » était assez génial je dois dire…

M : Last but not least… Un jeu vidéo ?

J : Je vais dire « Hollow Knight », c’est un chef-d’œuvre et je le recommande à tous les amateurs de jeux vidéo !

M : Merci beaucoup pour ton temps James, et je te souhaite le meilleur pour la sortie de Resident Human !

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